Lisart / Actuelle

Mobiil et autre Psykick

Isabelle Cargol — 2012-07-11T06:45:00Z

Pour la dixième édition d'EMD, Olivier Mellano s'est déplacé en force… de qualité.
Pas moins de deux formations pour faire vibrer nos cœurs avec sa guitare et pas des moindres de surcroît.
Un mobile idéal pour passer une bonne soirée.
Accompagné à la batterie par Gaël Desbois, ils allient à merveille l'électronique, l'acoustique et l'électrique pour nous emporter dans des univers langoureux, bien ancrés dans la triste réalité d'un quotidien d'une France qui se veut aveugle.

Psychotique ? Psychédélique ? Psykick, tout simplement. Arm et Olivier Mellano réunis bousculent toutes les limites du genre musical et créent ensemble l'harmonie. La nouvelle chanson française se porte bien, elle est créative, inventive et offre au public la garantie de beaux jours à venir. A découvrir, connaître et aimer sans détour.

Isabelle Cargol : Quel est votre parcours musical ?
Olivier Mellano : Le point de départ est le violon classique, puis j'ai découvert la guitare électrique. En 1987, je rencontre Gaël Desbois et nous formons notre premier groupe. En 89, je commence des études de musicologie et je m'installe à Rennes pour travailler sur différents projets. 1990 est l'année où commence le vrai travail, je travaille avec le groupe « Complot Bronswick » sous le label Rrose Selavy, je collabore avec Yan Tiersen, Miossec et en parallèle je travaille beaucoup avec d'autres groupes. J'accompagne ensuite Dominique A sur la tournée « Remué » et en 1999, Gaël et moi créons Mobiil. Les collaborations se multiplient. C'est aussi à cette période que je rencontre Laëtitia Sheriff et Arm, deux rencontres importantes pour moi.

I. C : Ne pensez-vous pas que le mariage des genres puisse être assimilé à une forme de dispersion dans votre travail ?
O. M : Pour moi, tout est lié. Si je ne peux pas me contenter d'un seul univers musical, il est aussi des domaines que je ne touche pas. Je ne ferais jamais de musique festive, de ska festif par exemple, je suis plus tourné vers vers le rap, le rock, la pop, le classique, l'expérimental, la bossanova...
J'investis des territoires en y apportant une identité particulière, c'est aussi ce qui nourrit mon travail, mes projets. Le fond est le plus important.

I. C : Que vous apporte la formation "Mobiil" ?
O. M : MOBiiL, c'est Gaël, Thomas et moi. Gaël et moi composons la musique ensemble et en plus, je suis auteur sur ce projet. C'est un projet central et l'endroit où je porte mes textes.

I . C : Quelle est l'alchimie de la formation Psykick Lyrikah ?
O. M Cette formation existait déjà lorsque je suis arrivé. Arm écrit les textes et notre collaboration a donné lieu à un album guitare/voix.

I. C : Ce sont des collaborations de longue date, n'est-ce pas ?
O. M : A chaque fois, c'est une évolution de notre travail ensemble, selon les projets, les univers, places et rôles de chacun.
Avec Dominique A, je suis au service de ses compositions. Les ciné-concerts sont des projets solo, des compositions guitare, en dehors de la musique originale du film, je pense par exemple à "L'aurore" de Murneau, à "Duel" de Spielberg où j'ai remplacé la bande son contrairement à "Buffet froid" de B.Blier où j'accompagne les dialogues des acteurs.
Nous avons terminé le prochain album de Laetitia Sheriff avec Gaël Desbois. Il s'est agit là d'un vrai travail de groupe.
L'album « La chair des anges » est l'endroit où je me suis consacré à l'écriture pour des formations classiques (quatuor à cordes , clavecins, orgue, voix...)

Isabelle Cargol, Juillet 2007)

Actualité

« La chair des anges » OLIVIER MELLANO Naïve classique, 2006

« Fondre sur les hyènes »,MOBiiL Idwet 2007
« Acte » PSYKICK LYRIKAH Idwet 2007

Liens

Olivier Mellano sur myspace MOBiiL
MOBiiL sur myspace
Psykick Lyrikah

Des disques : « Misery is a butterfly », Blonde Redhead, 2004
« Tilt », Scott Walker, 1995
« Prize », Arto Lindsay, 1999
Un film : « Solaris », Andreï Tarkovsky, 1972
Un livre : « La recherche du temps perdu », Marcel Proust, 1913 - 1927

Winter Records

Isabelle Cargol — 2008-10-01T20:51:50Z

Winter Records est un tout jeune label associatif toulousain créé pour la sortie

Winter Records est un tout jeune label associatif toulousain créé pour la sortie du premier album du groupe Pas de printemps pour Marnie.
En étroite collaboration avec Anticraft, l'actuel distributeur du groupe et à partir d'une réflexion collectvie, Winter Records se lance à présent dans la production de compilations thématiques en édition limitée avec pour objectif la promotion auprès du public la scène musicale émergente.
Le volume I est composé d'inédits de quelques 14 groupes. Le volume II verra le jour début 2009, il est basé sur le principe du Sleeveface, une figure imposée aux artistes qui devront faire coïncider l'image et le son, l'appel à projets est ouvert. Concernant le Volume III, la surprise reste entière…

Chaque sortie est accompagnée d'un rendez-vous artistique et culturel (exposition, pré-écoute, concerts, etc.). Un soutien aux talents en devenir auquel chacun peut contribuer en s'abonnant !

Actualités

Le jeudi 09 octobre 2008, à partir de 19h00 < Sortie du Vol.I < Pré-écoute en présence des artistes au Bicoq < 2, Rue du Coq d'Inde < 31000 Toulouse

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Extraits du Vol. I en écoute sur Myspace
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Henning

Isabelle Cargol — 2007-06-28T21:34:29Z

Henning Specht est un des membres du groupe électro-pop toulousain Hypnolove. Un enfant d'Airbus dirait-on puisqu'il avait six ans quand son père, ingénieur, s'est installé dans la région avec sa famille.

Henning Specht est un des membres du groupe électro-pop toulousain Hypnolove. Un enfant d'Airbus dirait-on puisqu'il avait six ans quand son père, ingénieur, s'est installé dans la région avec sa famille.
Depuis quelque temps il nous prépare un album solo très personnel. Un itinéraire musical et graphique à travers la maison dans laquelle il a grandi.
Henning ne veut pas se limiter à la musique seule : il dessine, lit, s'intéresse à l'architecture, aux concepts. Sa démarche artistique globale aboutit enfin à un album depuis longtemps annoncé dans lequel, par petites touches, il redessine son histoire marquée par le deuil du père. Loin du dance floor, son terrain de prédilection, Henning nous emmène dans son territoire intime. Un univers singulier qui a séduit les organisateurs des siestes électroniques où il interprètera certains morceaux en avant-première.

Sandra Bourguet : Peux tu me parler de ton parcours ?
Henning Specht : En 93 après le bac je suis parti en Allemagne un an pour réfléchir à la suite. Les cours que j'ai suivis aux beaux arts de Hambourg en tant qu'auditeur libre ont été très importants dans ma démarche globale d'artiste. En 94 j'ai commencé un BTS d'ingénieur du son aux arènes. J'y ai rencontré Nico, qui m'a présenté Thierry. De là est parti Hypnolove.
La musique a commencé à prendre de plus en plus d'importance à partir de ce moment là dans ma vie.

S. B : D'où part l'idée de l'album ?
H. S : Clairement de la chanson Daddy's gone….
Le décès de mon père en 2001 m'a profondément affecté. Ce fut le début d'une période de deuil et de remise en question. Ce morceau a jailli spontanément. D'abord sans paroles mais c'était comme un besoin vital pour évacuer la douleur, faire le deuil.
La perte du Père, celui dont on porte le nom, c'est un gouffre qui s'ouvre. C'est ce que veut exprimer cette chanson. Il y a aussi pas mal de gouffres dans mes dessins.
Je crois que la fonction de l'art en général c'est principalement d'exprimer l'indicible. Cela part d'un besoin très personnel, intime, mais j'espère modestement exprimer pour d'autres l'absence dans ce qu'elle a de vertigineux.

A partir du moment où cette musique a commencé à émerger, il me fallait faire un travail de canalisation. Le contrôle dans la pudeur. J'ai choisi comme fil conducteur le « Hors-champ » : Il s'agit comme au cinéma de poser son regard sur un point précis du décor extérieur aux acteurs.
Je crois que pour être vrai il faut choisir un point de vue. Sonner juste c'est important. Le plus difficile à faire c'est en général la mélodie. Le projet a été laborieux, il a pris beaucoup de temps. Le cadre choisi comportait de grandes contraintes mais en même temps j'avais besoin de ça. C'était une démarche thérapeutique, pour me décharger de la douleur.

S. B : L'album est en quelque sorte un itinéraire erratique dans la maison dans laquelle tu as grandi dans la région toulousaine. Comment cette idée a-t-elle émergé ?
H. S : De Daddy's gone au concept de sphère intime, il fallait développer. Pour me situer dans le présent ce travail m'était nécessaire. Il ne fallait pas seulement que ce soit une accumulation de chansons mais trouver une cohérence. Que chaque chose trouve sa place dans l'album.
J'ai fouillé dans le bureau de mon père et j'ai trouvé des plans de la maison de sa main. Cette idée s'est imposée. L'idée de territoire intime, passée au filtre de la fiction. Ce n'est pas un documentaire musical.

S. B : Justement, comment ces concepts s'appliquent-ils concrètement dans l'arrangement des morceaux ?
H. S : J'ai beaucoup travaillé sur l'acoustique des pièces. Pour « the Bathroom » par exemple j'ai posé le micro dehors, sur le toit, avec le velux ouvert. J'ai chanté et sifflé sous la douche. Le but était de capturer à la fois l'acoustique de la pièce et les bruits de l'extérieur, dans un rapport de globalité.
D'ailleurs je ne pouvais pas parler de la maison sans parler de ce qui l'entoure, le jardin, la terrasse. « The Garden » est un morceau foisonnant. Je voulais exprimer toute l'activité de la vie dans un jardin, pas seulement ce qui est visible au premier abord, mais aussi la vie qui fourmille, le vent, le soleil, le chat qui passe, les insectes…
J'ai essayé également de travailler les notions d'espace. Pour « Muttern » par exemple il s'agit de l'entrée de la maison, au rez-de-chaussée, qui est pour moi le territoire de ma mère. J'ai ralenti le morceau pour rendre l'impression de gravité terrestre. A l'inverse « Oben » (« en haut »), qui traite de la pièce la plus haute de plafond, est accélérée.

S. B : Des projets ?
H. S : L'album sortira très prochainement… juin ou septembre. J'ai une date aux « Siestes électroniques », avec batteur et clavier.
Je suis actuellement en train de monter le clip de « daddy's gone », en utilisant des images refilmées issues de films super 8 de mon père. Le travail de recadrage sur des détails des décors de ces documents de mon histoire personnelle, c'est l'aboutissement de cette idée du « hors-champ de l'intime ». Après la musique et le travail plastique, c'est la suite logique de la démarche suivie pendant toute la construction de l'album.

Actualité

30/06/07 > Les siestes électroniques, Plein Air > Prairie des filtres > 17:30 > Henning Specht

Un disque : "An electric storm", White Noise, 1968
Un livre : "Le faucon va mourir", Harry Crews, 2000
Un film : "Ordet", Carl-Théodor Dreyer, 1955

Le silence de Lina Lamont

Sandra Bourguet — 2007-05-09T23:52:46Z

“Glass Onion” présente au public depuis 2005 « Le silence de Lina Lamont », un évènement musical et cinématographique.
Vincent Ferrand (voix, contrebasse, piano, machines et platine) et Fabrice Guérin (scénographie, vidéo, participation à l'écriture) font revivre d'une manière insolite et originale une anti-héroïne mythique du cinéma hollywoodien, l'actrice à la voix discordante et au caractère insupportable, la blonde Lina Lamont du film « Singing in the rain ».
Un hommage servi par des compositions originales de Vincent Ferrand, tout à tour dépouillées ou saturées, ainsi que par un montage original du film qui ressuscite le personnage et met en scène un dialogue décalé entre elle et le musicien.
Entre mythe et réalité, une critique du cinéma hollywoodien, un regard tendre sur nos petits défauts et nos grandes faiblesses.

Sandra Bourguet : Le spectacle « le silence de Lina Lamont » est après deux albums la troisième réalisation du groupe « Glass Onion ». Mais qui est “Glass Onion” au juste ?
Vincent Ferrand : “Glass Onion” est un groupe composite et multiforme selon les projets. Il pourrait s'appeler « Vincent Ferrand and friends ». En ce qui concerne ce spectacle en particulier, il s'agit donc de ma collaboration avec Fabrice Guérin.

S.B : Comment vous est- il venu l'idée de ce spectacle ?
V.F : J'essayais vainement d'écrire des chansons pour moi-même. Ça ne fonctionnait pas, je n'étais pas satisfait. Tout c'est débloqué quand j'ai décidé ne plus écrire pour moi mais pour Lina, ce personnage que j'aime. Le travail était déjà commencé quand j'ai rencontré Fabrice Guérin. Une vraie rencontre artistique et humaine qui m'a poussé à aller plus loin dans l'écriture.

S.B : Pourquoi Lina Lamont ? Qui est elle et qu'est ce qui vous touche particulièrement dans ce personnage ?
V.F : Après de nombreux visionnages du film « Singing in the rain », j'ai réalisé que c'était elle, la star du cinéma muet en voie de perdition, qui était à mon sens le plus attachant des personnages du film. Lina Lamont est la partenaire de Don Lockwood incarné par Gene Kelly, avec qui les tabloïds lui prêtent une idylle alors qu'il la déteste franchement. Elle, pourtant, y croit. Elle est constamment tournée en ridicule. La star du cinéma muet se révèle incapable de s'adapter au changement, car sa voix de canard devient un handicap majeur à sa carrière avec l'avènement du parlant. Avec l'arrivée sur scène d'une jeune actrice et chanteuse, rivale sur scène comme dans le cœur de son partenaire, Lina se sent menacée et sort les griffes. Elle se saborde peu à peu. C'est très probablement le personnage le plus vrai et le plus juste de tous. Quand les autres débordent de bons sentiments, Lina Lamont, avec ses faiblesses et ses défauts, ses mesquineries et sa bêtise, est certainement la figure la plus humaine du film. J'avais envie de la défendre, la réhabiliter. Lina est à la fois belle et agaçante, pathétique et touchante. Nous sommes tous un peu Lina Lamont à un moment donné ou à un autre.

S.B : Grâce au montage cinématographique effectué pas Fabrice Guérin, vous formez sur scène un duo décalé avec Lina Lamont. Comment s'organise ce rapport entre votre performance musicale et artistique d'un côté et l'image cinématographique de l'autre ?
V. F : Je crois comme certains écrivains que les personnages de fiction ont parfois davantage de substance que les personnes réelles du fait de ce qu'elles représentent dans l'inconscient collectif. Je n'ai pas besoin de faire exister Lina Lamont, elle s'impose d'elle-même. De là se met en place, tout naturellement, un dialogue. J'aime aussi l'idée que le spectacle acquiert une vie propre. Bien sûr il y a de moi dans ce spectacle, de ma fascination pour les femmes, de mon amour de la musique. Mais je crois qu'à moment donné le créateur est dépassé par son œuvre qui lui échappe. C'est un spectacle vivant, en constante évolution, en permanente révolution.

Actualité

Mardissonances : le 15 Mai à 12h45
Chapiteau du CIAM, université de Toulouse 2-le Mirail

Liens

Glass Onion

Un disque : Kind of blue, Miles Davis
Un livre : La haine de la musique, Pascal Quignard
Un film : Les mille et une nuits, Pasolini